Картинная галерея Арт Город, продажа картин, купить картину, картина на заказ, портрет на заказ, заказать портрет, заказать картину, картина в подарок, галерея картин, копии картин, продажа живописи
Главная · Галерея картин · Сегодня в продаже · Картины на заказ · Портреты на заказ · Покупателю · Контакты · Статьи о искусстве · Карта сайта June 26 2017 01:34:55
заказать
Картинная галерея
Картинная
Навигация
Абрамова Татьяна
Герасимова Наталья
Годустова Светлана
Денисенко Вадим
Ефремов Андрей
Жуков Леонид
Землин Вениамин
Капустин Александр
Курицын Сергей
Лешин Виктор
Ладыгин Олег
Лимарев Евгений
Лупийчук Виктор
Луговской Владимир
Масленникова Ирина
Милюков Александр
Новожилов Андрей
Осипов Артур
Перцев Владимир
Пивоваров Алексей
Селин Валерий
Сержпинский Сергей
Федорцев Александр
Хохлов Владимир
Чердаков Вячеслав
Янов Виктор
Картины по жанрам
Статьи о искусстве
Статьи
Блог
Блог</a
Александр Капустин
Москва
прдажа

Городские пейзажи и картины с видами городов очень популярны. Их используют для украшения интерьера гостиных, а так же офисов, ресторанов и гостиниц. Мы продаём картины с видами Москвы, Санкт- петербурга и других городов, а так же пишем пейзажи на заказ по фото.

П.Верещагин. Копия картины
Вид Московского Кремля со стороны Английской набережной
пейзажи
Исторические пейзажи Москвы дарят нам тепло и хорошо вписываются в интерьер государственных учреждений и комнат в классическом стиле.
Олег Ладыгин
Рассвет
продажа

Пейзажи Олега Ладыгина отличаются тонким умением чувствовать природу. Его картины хорошо смотрятся и в интерьере гостиной и в столовой.

Владимир Хохлов
Заливной луг
продажа

Летние пейзажи Средней полосы России необычайно популярны. Мы с детства помним каждый кустик на даче, мы впитали в себя красоту этих мест. Поэтому такие картины в интерьере будут вызывать у вас только тёплые чувства.

Александр Милюков
Морской пейзаж
морские

Морские пейзажи в интерьере гостиных придают комнате динамику и глубину.

Андрей Ефремов
Натюрморт с Пионами
продажа
Натюрморты с цветами прекрасно вписываются в интерьер столовой и делают атмосферу в помещении благостной.
Измышления художника
Измышления художника Дмитрия Сергеевича Пырина о живописи и рисунке.

С чего начать.

Ну а теперь перейдём непосредственно к процессу письма обнаженной фигуры с натуры - мужской и женской. Чтобы написанные строки были более действенными, мне при изложении процесса придется во многом повторяться. Но…. куда нам без этого. Русская пословица говорит: "повторенье - мать ученья".
Предположим, вы скомпоновали и нарисовали фигуру. Надо начинать писать. Я рекомендую прежде всего предварительно установить, какими красками будете вы писать тело? Какие сочетания наян более близко подойдут к решению данной постановки? Возможно, что придется перебрать десятки комбинаций, чтобы найти наиболее точную.. Какой состав красок необходимо иметь начинающему? Возьмем самую скупую палитру:
• белила цинковые
• кадмий лимонный
• кадмий светлый
• кадмий красный
• охру светлую
• сиену натуральную
• сиену жженую
• марс коричневый
• английскую красную
• кобальт синий
• кобальт зеленый
• изумрудную зеленую
• краплак
• персиковую черную
Вот, по-моему, самые необходимые краски. Из них-то и надо находить возможные комбинации сочетаний, как более подходящие для прописки холста.
Если в числе рекомендованных мною красок я упоминаю о персиковой черной, то я не имею в виду, что земляные краски и краски, получаемые пережиганием, исключаются из палитры. Сплошь да рядом в практике бывает, что вместо того, чтобы получить сложный оттенок из трех ярких цветов, смешанных с белилами, можно составить его из земляной краски или краски, полученной пережиганием (как, например, персиковой черной, полученной пережиганием из косточек персика). Это простая смесь - персиковая черная плюс белила. К такой смеси можно прибавлять те или иные оттенки.
Рекомендованная мною палитра есть минимум.
Перед тем как начинать этюд на холсте, рекомендуется сделать несколько предварительных "нашлепков", проб, и из них выбрать наиболее точный. Цель их найти то сочетание красок, которое будет наиболее близким к натуре. Например, найти смесь для тени тела, для света, для полутона, для фона, то есть предварительно покопаться в нашлепке, чтобы, подойдя к прописывайте холста, знать, какими красками будет занята палитра.




Само собой разумеется, что рекомендовать какие-либо рецепты сочетаний - совершенная бессмыслица. Научить чувствовать невозможно. В том-то и дело, что в каждом отдельном случае комбинации будут разными. Фабричные краски все те же, а бесчисленные комбинации будут разнообразны, подобно шахматной игре, В чем же заключается роль педагога? Роль педагога заключается в том, чтобы повести ученика по пути искусства, сочетав его живопись С жизненной правдой, помочь ему, конкретно подсказать, как нужно сделать. Это очень трудно, но возможно.
Весьма полезно одновременно с работой над фигурой человека посещать музеи, галереи. Например, рекомендую изучать работы великого русского художника Александра Иванова. Он много работал над обнаженной фигурой ив условиях мастерской и на воздухе. В музеях, изучая работы великих мастеров реалистов русской и западной живописи, рассматривая, как проработан у них холст, можно многое увидеть, понять, например, как отдельно верно найденные и тонко прочувствованные тона сплетаются в единую гармонию. Мне приходилось не раз повторять и сейчас повторяю -все одно и то же, а именно: имейте в виду всегда, что в природе ничто не существует отдельно, все связано, зависит друг от друга, обусловливает друг друга; не думайте, что сразу мазок за мазком будут попадать на место. Помните, что только верно найденная комбинация мозаики мазков решает форму. Всегда нужно где-то убавить, где-то прибавить, там четко выявить, там легко увести в тайну тени и полутени. Если все верно попадет на место, то этюд зазвучит, запоет жизненной художественной правдой.
Перед вами холст, на котором приготовлен рисунок под живопись. С чего же начать, со света, с тени или с полутона? Положить ли первые мазки на фигуру или на фон? В разных случаях по-разному. Начните с того места, которое вам наиболее ясно, Мне было легче начинать с самого темного места. Причем в самом темном я старался найти цветовое звучание. Привязывая к нему окружающие тона, в конечном итоге я добирался до самого светлого места. Предположим, процесс первой прокладки красками по белому холсту займет у вас немного времени. Бели вы прокладываете первый раз кистью легко, негусто, то подмалевок за неделю высохнет.

О палитре.

Возможно, что то, о чем я здесь хочу рассказать, является преждевременным Для начинающих заниматься живописью, но я думаю, что самое важное - понимание сущности живописи. Поэтому я решаюсь поговорить здесь о таких сложных понятиях, как "среда живописи", как "живописные дыры" на холсте, как "живописные срывы с холста".
Когда вы смотрите на аквариум с рыбками, в особенности, когда вода немного замутится, вы ясно чувствуете среду, в которой плавают рыбки. Такое же явление происходит вокруг нас. Все предметы окружены средой - воздухом. Благодаря ему создается воздушная перспектива. Предметы в своем живописном звучании мягко переходят своими очертаниями один в другой, как бы смягченные сеткой воздуха. Среда объединяет предметы, создает единство, гармонию. Благодаря воздушной среде предметы по мере удаления планов становятся все мягче и мягче по своим очертаниям.





Вот почему, если вы в процессе работы неверно возьмете какой-либо мазок, перегустив его по светосиле и по цветовому напряжению, по отношению к окружающему, он создаст сейчас же "дыру", как бы "провалится" в холст. Бели же ошибетесь и, наоборот, возьмете светосилу ярче и напряженнее по цвету относительно к окружающему, то мазок будет как бы лежать вне поверхности холста, казаться ближе, то есть будто сорвется с холста. "И в том и в другом случае оба мазка находятся вне среды изображения, вне гармонии целого. Усвоить эту истину, то есть научиться так писать, чтобы мазки лежали бы на поверхности холста, писать не путем смазанности , а путем подбора точных соотношений, и есть задача живописи и притом труднейшая задача.
Есть два способа выполнения с натуры зримого мира. Первый способ, когда палитра служит местом смешения красок, а окончательной палитрой является холст. Поясню. Вы на палитре ищете цветовой мазок, примерно отвечающий вашему ощущению. Наносите мазок на холст, где виднее, как он выглядит, и добавляете ту или иную краску, чтобы искомое отвечало вашему колористическому ощущению. И так ведете свою работу. В атом случае палитра есть дощечка для смешения красок. Вот способ - обычный для большинства начинающих и для большинства учащихся.
Другой способ, более сложный я трудный, но для художника, привыкшего к организованности,- незаменимый. Прежде всего для него палитра - это инструмент, помогающий ему находить точные соотношения цветов в их силе и характере, помогающий сохранить среду, гармонию соотношений.
Опыт показал, что лучше иметь белую палитру. Во-первых, вы и на холсте привязываете тона к белому, во-вторых, белая палитра не 'позволяет влезть в грязь. На ней легче брать звучные тона. Палитра - его репетиция, а главное - спектакль - осуществится на холсте. Правда, этот способ длительный, кропотливый, но зато верный. Сводится он к следующему: вы заготавливаете смеси, которые вам понадобятся, на палитре, так что на ней уже будут все необходимые соотношения. В этом смысле палитра явится как бы вашим будущим этюдом. И тогда ваша дальнейшая работа значительно облегчается. Наиболее кропотливый труд - это приготовление так сказать "полуфабрикатов". А "варить обед" можно уже без задержки. Если приучить себя к такому методу работы, выигрыш в темпах и ритме выполнения огромный.
Можно ли к найденной заготовке прибавлять на холсте те или иные краски по мере надобности!! Конечно. Соединить два способа в один? Конечно. Так и делают мастера. Если не хватит времени и терпения настроить этюд целиком, то можно настроить на палитре ту часть этюда, которую предполагается выполнить за один сеанс. Здесь есть и еще одно преимущество: вы увидите, что на палитре останется след найденных соотношений, к которым на следующий сеанс легко привязать новые соотношения. Этот способ -очень кропотливый и длительный - обычно не нравится новичкам. Им хочется поскорее писать. Я за то, чтобы начинающие писали и "мазали" как можно больше и не задерживали бы своего чувства. Поэтому пишите как вам легче. Но в будущем, когда освоите масляную краску, подумайте и о предложенном мною способе.








Пастель.

Пастель является весьма хрупким и капризным в использовании материалом. В этом плане её можно сравнить с акварелью.. НО!! если акварель вы можете смешивать на палитре, и видеть конечный результат уже там (пусть даже и приблизительно) то палитра для пастели объект чисто гипотетический. Конечно можно потренироваться на отдельном листочке, но на практике это мало что даст. Угадать точное итоговое цветовое соотношение весьма нетривиальная задача, особенно для начинающего. Цветная пыль хоть и подчиняется законам физики, но при взгляде на результат смешивания в это верится с трудом. Поэтому на первое время не отчаивайтесь и всё будет в порядке. Кстати, оно ,может быть, и к лучшему. Это позволяет время от времени увидеть удивительно красивые и выразительные переходы цвета которые не планировались заранее. Иногда просто поражаешься, насколько уместным бывает нечаянное вкрапление, что же, ближе к делу. Я долго думал с чего начать. Так ничего путного в голову и не пришло.


Значит начнём с конца . Самое главное для начинающего - не впасть в цветовое
бессилие. Многие (да очень многие...) начинают писать цветом, и при первой-же (а может и второй, третьей) неудаче начинают впадать в уныние.. Мол, не дано мне работать цветом, у меня другой профиль.. и т.д... Это всё неправда, и плюньте в человека который говорит такое о вас . Писать цветом может каждый, главное только захотеть, и не отчаиваться. Конечно, уже слышу в ответ упрёки типа "Это только сказать легко - не отчаивайся" и всё такое. Поэтому, Дабы сходу обломать нездоровую критику, скажу: К цвету в пастели надо идти постепенно, нельзя делать всё сразу. Странно, но факт: если в маслянной живописи иногда просто необходимо повариться в разноообразии цветовых смесей, чтобы прийти к своему пониманию живописи, в пастели лучше сделать наооборот. Конечно, это моя собственная точка зрения, и если кто с ней не согласен, чтож, Ваше право.
А я начну. Для того чтобы создать приличный портрет совсем не обязательно использовать всю доступную вам палитру цветов. Для начала вполне подойдет следующая:
• Простой карандаш (обязательный атрибут любого живописца),
• 2, максимум 3 цвета пастели.

На первое время рекомендую взять 1 из коричневой гаммы и один из голубой. Этого должно вполне хватить. сразу совет.. Пользоваться ластиком при письме пастелью настоятельно не рекомендую. если сделали ошибку, возьмите кисть из щетины и смахните написанное. Ластик может оставить засаленные полосы, которые не будут держать красочную пыль и могут здорово подпортить результат.
Итак: Самая первая задача - правильно подобрать бумагу. В зависимости от ваших целей вы можете использовать даже жёлтую упаковачную бумагу или старый рулон обоев и добиться потрясающих результатов. Но для начала неплохо взять обычную бумагу для акварели (даже не пытайтесь писать на ватмане - зря только силы потратите) нейтрального цвета. Можно тонированную, но неяркую. В пастели очень часто оставляют часть бумаги непрописанной, это позволяет использовать цвет бумаги как фон, цвет бликов и т.д.





Поэтому, к выбору тонированной бумаги нужно подойти внимательно.. Например, холодный осенний пейзаж очень здорово смотрится на серой или синей бумаге, но на коричневой или жёлтой он теряет свою холодность и выглядит довольно посредственно. А вот портрет наоборот выгоднее писать на бумаге тёплых тонов - он от этого станет живее, теплее. (ну если вы только не снежную королеву пишете).
Я довольно часто перед письмом пастелью покрываю бумагу прозрачным слоем акварели, добиваясь таким образом необходимого мне тона бумаги. Акварель имеет в своем составе связующие вещества и от этого пастель нанесённая поверх акварели даже лучше держится и меньше осыпается. К тому-же, после обработки акварелью волоски бумаги под действием воды немного приподнимаются и обеспечивают дополнительную связку для пастели.
Говоря о бумаге стоит заметить, что для пастели выгоднее использовать бумагу с шероховатой(или ворсистой) поверхностью. На ней пастель лучше держится. Старые мастера в связи с этим часто писали на ткани или замше. Так-что пастелью вполне можно писать и на холсте, было-бы желание. Будем считать, что с бумагой мы разобрались. Теперь пару слов о самой пастели. По своим характеристикам пастель делят на твёрдую и мягкую. Степень твёрдости пастели зависит от количества использованного связующего вещества (клея). Чем больше клея, тем твёрже пастель, и наоборот. Для начала лучше использовать мягкую пастель. Она легче ложится на бумагу и растушевывается.




Тон и цвет.

Уйти от копирования натуры начинающему художнику почти невозможно. Когда он после неоднократных попыток точнее "списать" натуру разочаровывается, вероятно, еще не отдавая отчета в том, почему у него получается так серо и некрасиво,- все же он смутно чувствует причину неудачи. Происходит это потому, что он отдельно копирует натуру вне единой ее связи. Поговорим об этом поподробнее в связи с вопросом о тоне и цвете.
Живопись - есть цельное видение. Что это такое? Попытаюсь объяснить на примерах. Представьте себе, что на скатерти стоит белый кубик, за ним другой белый кубик и еще один белый кубик на третьем плане. Вы их рисуете. Свет от окна находится за вами. Конечно, сильнее всего освещен первый план. Второй план освещен слабее, третий еще слабее. Возьмите карандаш и сделайте рисунок с тушевкой таким образом, чтобы выявить планы. Сначала вы нарисовали с тушевкой первый кубик. Чтобы верно отодвинуть второй кубик на второй план, необходимо употребить следующий прием: смотрите на первый кубик, скажем, на самую сильно освещенную грань, и пусть ваш карандаш тушует грань второго кубика, но вы не должны в упор смотреть на то место, которое тушует карандаш. Вы будете смотреть на него, так сказать, боковым зрением. И карандаш свершит правильное дело, то есть он остановится точно тогда, когда будет выявлена тональная разница отношений. Этот термин принят в художническом обиходе. Оставим его, хотя, по-моему, правильнее было бы сказать "разница светосилы". Это не вызывало бы большой путаницы, связанной с термином "тон", в который художники вкладывают разное понимание.




А слово "светосила" очень ясное - это сила света, создающая разную степень освещенности главным образом в зависимости от расстояния источника света (если этот источник света один) от предмета.
Вспомните себя.. Вы с рождения умели плавать? Нет.. большинство из нас с рождения плавать не умеют, и если неумеющего плавать человека бросить в воду, он скорее всего утонет, но ведь научиться плавать может любой... если захочет, конечно..
Когда вы справитесь с тушеванием кубиков, точно поставив на место глубины второго и третьего планов, то возьмитесь за другое упражнение - сомните в кулаке бумагу и бросьте ее на стол. Смятая бумага образует множество граней. Сделайте рисунок и отработайте эти грани карандашом, уже сравнивая светосилы многих граней, употребив указанный выше прием рисования кубиков. И когда ваш глаз будет способен охватить целое (одновременно и натуру и оттушеванный рисунок), вы сможете проверить самого себя и увидите, что где-то надо усилить, где-то ослабить. Вот тогда вы на какую-то ступень приблизитесь к пониманию целого, общего. Значит ли это, что не надо всматриваться в детали? Конечно, нет. Но при развитом чувстве целого, общего и деталь будет находить свое место и определенную степень законченности. Вы спросите, к чему я, взявшись рассказать о том, как писать обнаженную фигуру, вдруг отвлекаюсь в сторону рисования смятой бумаги. Имеет ли это какую-либо связь? Да. Имеет огромную связь во всем, что бы вы ни писали, и в том числе с обнаженной моделью.
Теперь о самом сложном и самом существенном.. Природа свето-сильна, и, чтобы конкурировать с ней в живописи, надо иметь такие же светосильные и цветоносные краски. Мы же имеем цветной порошок, стертый с маслом или другим каким-либо связующим. Конечно, самая светлая бумага, лучшие белила и самая черная краска не смогут сравниться с освещением солнца, серебристостью луны и густой чернотой тени в природе. Но тем не менее художники изображают и луну, и тени, даже солнце. Чтобы приблизиться к природе, чтобы заставить светиться и бумагу и краски, надо прибегать к каким-то законам. В природе все свежо, гармонично, звучно, и, чтобы ее изобразить, надо много знать, а это дается художнику опытом. Кое-какими сведениями хочется поделиться с вами. Это облегчит вам обучение.
Белый солнечный луч, пройдя через трехгранную призму, образует солнечный спектр. В центре этого спектра желто-лимонный цвет, который влево и вправо мягко меняется. Справа он переходит от лимонно-желтого в желтый, желто-оранжевый, затем в оранжевый, дальше в оранжево-красный, в красный, красно-малиновый в малиновый, малиновый в пурпурный и погасает. Слева желто-лимонный переходит в лимонно-зеленый, зеленый в голубо-зеленый, дальше в голубой, голубой в синий, синий в фиолетовый, затем в густо-фиолетовый. Вот мы и имеем в природе такие цвета, какие имеет разложенный призмой белый солнечный луч.
Спектр, если он скопирован -художником на белой палитре, будет похож только приблизительно. Даже самые яркие краски самой лучшей фабрики не смогут сравниться с солнечным спектром. А между тем великие художники прошлого, не имевшие той богатой палитры, какая у нас есть теперь, передавали природу с великим совершенством всего четырьмя-шестью неяркими красками. В чем их великое искусство?
Если вы возьмете черную палитру и положите на нее, скажем, красную охру, она будет звучать, как яркая киноварь. Охра желтая на черной палитре будет выглядеть, как кадмий.


Старые мастера, чтобы передать силу света теми красками, какими они располагали, вынуждены были брать темные фоны. Современная химия располагает богатейшим выбором ярких красок, благодаря которым художник может написать все, что хочет, - солнечный день, яркие цветы и т. д. Но все равно, чтобы приблизиться к природе, он должен знать законы живописи, смешения красок, наложения яркой на яркую путем нанесения прозрачных слоев акварельным способом, называемым лессировкой, и другие приемы.


Многие художники, неправильно понимая значение тона, выключают из этого понятия очень важное - цвет. Называя тоном то, что обычно в живописи называлось "отношениями", "светосилой", они так определяют живопись: "Живопись - это тон плюс цвет. Неважно, какой краской я буду писать, было бы верно по тону". Неправильно говорить; "Это темнее, а это светлее". Представьте себе такой опыт. Возьмем пучок электрического света и пропустим его сквозь призму. Полученный спектр будет меняться. Если включить сильнейшую лампу, все цвета спектра будут приближаться к центральному желтому и к голубому. Стоит начать убавлять свет, и цвета будут сгущаться. При самом слабом они будут густеть.
Вот та оптика, которая заключена во всех физических явлениях природы. И если мы художники-реалисты, то давайте и следовать законам природы, законам живописи.
Заменим слово "тон" словом "светосила". Светосила выражается меньшим или большим напряжением света. При большем напряжении света цвет приближается к белому, при меньшем напряжении - меняется в левую и правую стороны спектра. Это явление "цвето-свето-силы" надо усвоить, наблюдая его в природе. Особенно оно ясно видно при закате солнца - день угасает, цвета меняются и густеют. Рассматриваем мы это явление, так сказать, в его чистом виде, а в природе все неизмеримо сложнее. Там почти нет обнаженно чистых, цветов, но законы остаются те же. Иногда для темных тонов берут приблизительный соответствующий цвет, а для усветления к нему прибавляют белила. Это ложный путь в живописи, хотя, конечно, не надо думать, что белила и темные краски нужно выбросить.
Подлинный путь живописи очень трудный и сложный. Но тем не менее постараюсь изложить основную суть максимально доступным способом.
Возьмем белую палитру, скажем, белую плитку кафеля. Если сможете достать кусок легкой пластмассы и вырезать из нее палитру, еще лучше. Расположим на ней смеси цветов, копирующие спектр. Например, положим чистый кобальт и кобальт в разбеле с белилами. Так же поступим с другими красками. Перед вами лежат цвета: желтый, голубой, красный, зеленый и т. д. так сказать, в первичном чистом состоянии. Но вот вы прибавили к голубому или синему красного кадмия в разбеле или целиком. Вы получите новый более сложный цвет. Причем, если вы берете кобальт в разбеле, то берите красный кадмий в разбеле такой же силы. Сопоставьте два мазка так, чтобы ни один не был темнее другого, смешайте, вы получите новый цвет. Если он вас не удовлетворяет и вы чувствуете, что в природе он оранжевее, то составьте оранжевый цвет с белилами такой же силы, какой были первые два, и получите то, что нужно. Конечно, вы понимаете, что это не рецепт, а пример, который натолкнет вас в практике на решение поставленной вами задачи. Если же вновь найденный цвет, близкий к тому, который вы ищете, все же не удовлетворяет вас и вы чувствуете налет, допустим, легкой голубоватости, можно добавить еще одну краску.



Например, попробуйте легкой прозрачной краской, разбавленной лаком, "скользнуть" Колонковой кистью поверху. Может получиться искомое. Предел смешения чистых красок - три, не считая белил.
Приведенный пример может натолкнуть на правильные поиски красочных смесей. А если вам не все ясно и возникает вопрос: "Как быть в тех случаях, когда все же смесь не удовлетворяет и, скажем, полученный цвет необходимо сделать зеленоватее?" Казалось бы, добавить зеленого. Это было бы простейшее решение, но оно неверно. Надо в ход пустить те же краски - в приведенном примере оранжевую и голубую. Если нужен более красноватый цвет, возьмите больше красной, входящей в эту смесь. Но, предположим, хочется добавить все же малинового. Можно? Нет правил без исключения: красный и малиновый в спектре находятся рядом. Возможно, опыт и получится.
Все это важно, конечно, но результат решает практика. Перепортив гору красок, в практике работы учащийся поймет суть. Повторяю - необходима практика.
Не думайте, что если вы будете "нарочно" писать яркими красками, то получите на холсте природу. Дело совсем не в том. Дело в правде передачи видимого, в правдивости гармонических сочетаний, как и в самой натуре. Вглядывайтесь пристальнее. Изучайте, сравнивайте одно с другим. Учитесь в близких сочетаниях видеть разницу. Если перед вами несколько серых! цветов, то выискивайте, насколько разнятся два серых между собою пО светосиле и оттенку первичного цвета. Скажем, один более холодный - голубоватее, другой более теплый - желто-ватее, третий - при сопоставлении с двумя первыми - зеленоватее. Если вы натренируетесь выискивать их тончайшее различие по светосиле и по первичному цветовому оттенку и это различие "вытаскивать на холст", если вы сумеете притом приучить свой глаз видеть такое различие одновременно и в натуре и на холсте, вы уже. приблизитесь к живописи.

Процесс живописи я уподобляю мозаике, ее разноцветным камешкам: бледно-розовый, розовато-палевый, серый с любыми оттенками и светосилой, коричневый, лиловый и великое множество других. В моем представлении, представлении живописца, любой оттенок в природе есть цвет. Порой они бывают столь близки друг к другу, что становятся едва различимы, как бы "втекают" один в другой. Уподобление мозаике взято для ясности взгляда на живопись, чтобы начинающий заниматься не тушевал темнее и светлее приблизительно, а точно выкладывал бы цвета в их первичной свежести. Как образец чистейших цветов можно привести "Девушку, освещенную солнцем" кисти В. А. Серова. Посмотрите на нее внимательно. Каждый мазочек - драгоценный камешек. Даже кора дерева - это сказка живописи. Вся эта вещь - торжество живописи. Все здесь соединено в одну торжествующую гармонию.
Надо приучить свой глаз видеть различие оттенков, вариации цветов в их точном соотношении друг к другу. Вели комбинация цветов подобрана верно, то все заживет, засверкает. Самое трудное в живописи -найти цвет какой надо, и положить, куда надо.
Сказанное мною - это, как говорится, теория. В практике будет иное. Будет и слияние цветов, и их нежнейшее соединение. В природе мазков нет. А тем не менее, чем опытнее, изощреннее будет глаз художника, тем яснее он будет видеть, "как написано в самой природе". Останется увлекательнейшее занятие стремиться к ее совершенству.



В сущности, имея задачу рассказать о том, как писать обнаженную фигуру, я говорил о живописи вообще, потому что, повторяю, специфических особенностей в том, как писать обнаженную фигуру, я не вижу.
Поэтому считаю, что очень полезно, прежде чем приступить к живописи обнаженной фигуры человека, да и параллельно этой работе, побольше писать натюрмортов, составленных из самых разнообразных предметов, особенно овощей и фруктов. Тренировка в работе с яркими цветовыми сочетаниями таких натюрмортов не позволит нам в живописи обнаженной фигуры впасть в безразличное бессилие, какое часто мы видим в работах начинающих. Труднее всего даются им тени и полутона обнаженного тела. Рефлексы от окружающих предметов влияют на окраску обнаженного тела. Особенно это видно в солнечный день на природе. Посмотрите на этюд Александра Иванова к его картине "Явление Христа народу". Вы увидите, как влияет вода, трава, небо на окраску теней. Менее заметно это в условиях мастерской. Но все равно стены, рядом стоящие предметы также оказывают свое влияние. По существу рефлекс - это слабый, отраженный свет, влияющий на тень. По опыту я знаю, как трудно написать такое "таинственное явление", как тень на теле.

Дмитрий Сергеевич Пырин
заказ
копии
Олег Ладыгин
Храм Христа Спасителя

Наши художники любят писать пейзажи с Храмами, и картины с историческим центром Москвы и Санкт- Петербурга. Пейзаж с видами Москвы в ретро- стиле украсит ваш офис.

Рубенс. Копия картины
Союз Земли и Воды
продажа

Копии картин очень популярны. Копии известных работ представлены на нашем портале очень широко. Художник, делая копию картины не просто переносит изображение с холста на холст, но и точно переносит дух эпохи, а которую эта картина была написана.

Андрей Ефремов
Натюрморт с буддой
продажа
Живопись в стиле фен-шуй , которую мы продаём приносbт в интерьер красивый классический колорит с восточными нотками.
Светлана Годустова
Эпотажная мистерия
продажа

Живопись мистическая и аллегорическая была развита с древних времён, в средние века картины мистерии стали необычайно популярными и до сегодняшнего дня мистерии очень популярны.

Андрей Новожилов
Концерт на лугу
картины

Мы продаём большое количество картин для детской. Этот стиль живописи очень светлый, весёлый и добрый и удачно вписывается в интерьер комнаты для самых главных членов семейства.

Светлана Годустова
Натюрморт с астрами
натюрморт
Классические и современные натюрморты с цветами всегда великолепно смотрятся и в столовых и в гостиных и в спальнях. Картины с цветами всегда пользуются огромным успехом.
Сергей Курицын
Пейзажи средней полосы России пользуются любовью у покупателей. Ведь большинство из нас отдыхало у бабушки на даче или ездит в Московскую или соседние области. Речки и лесок, которые изображены на этих весёлых пейзажах так милы сердцу каждого из нас. Вот поэтому мы и любим такие пейзажи, покупаем картины средней полосы России и украшаем лесными пейзажами наш интерьер.
Вадим Денисенко
Голландский натюрморт
голландский
Натюрморты в голландском стиле всегда облагораживают интерьер и придают ему ощущение солидности. И в гостиной и в столовой и в офисе и в гостинице голландский натюрморт придаст интерьеру богатство и благородство.
Имя

Пароль



.

Контактный телефон картинной галереи: 8 (916) 583-42-50 E-mail: info@artgorod.ru
Copyright АРТ ГОРОД © 2005-2017. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ МАСТЕРСКАЯ - КАРТИННАЯ ГАЛЕРЕЯ Продажа картин Картины и портреты на заказ
При публикации картин сторонних художников администрация сайта не несет ответственности за соблюдение авторского права
Ответственность за соблюдение авторского права целиком и полностью ложится на лицо, приславшее материал для публикации



Rambler's Top100 Яндекс цитирования портретыкартиныинтернет
Powered by PHP-Fusion v6.00.204 © 2003-2005 - Aztec Theme by: